L'IA, partenaire créatif : les leçons du théâtre

Par Jon Fitts, Design Lead chez Attensi · Publié le 9 septembre 2026

Le bureau n'était pas là.

C'était à l'automne 2008. Je jouais Valmont dans une production universitaire des Liaisons dangereuses – ma première fois en talons et en perruque poudrée. Mon cœur s'est serré quand ma partenaire de scène et moi avons constaté que ce bureau, essentiel à notre mise en place, était introuvable. Un machiniste avait raté son signal. Le bureau était toujours en coulisses, derrière un treillis, sur ses roulettes grinçantes. La scène était déjà lancée. Nous avions environ deux secondes pour décider : tout arrêter ou plier sans rompre.

Nous avons plié. La comédienne qui jouait Merteuil s'est étendue sur la méridienne, m'a fait signe de m'asseoir à côté d'elle, et nous avons poursuivi la scène à quelques centimètres l'un de l'autre. Nos répliques crépitaient d'une énergie et d'une intimité nouvelles. Des spectateurs en ont parlé après coup. Deux semaines après le début de nos quatre semaines de représentations, nous avons gardé cette nouvelle mise en place.

Je repense souvent à ce bureau quand je travaille avec l'IA aujourd'hui.

Trouvez vos collaborateurs

J'ai passé plus de vingt ans au théâtre avant d'arriver dans la L&D. Pendant la plupart de ces années, j'ai côtoyé des gens dont le métier consiste, très concrètement, à faire quelque chose à partir de rien : comédiens, scénographes, metteurs en scène, dramaturges, régisseurs, techniciens qui accrochent les projecteurs à trois heures du matin. Une chose s'apprend vite dans ce monde : le théâtre n'est pas une autocratie. Le metteur en scène a une vision, mais la pièce qui finit sur scène est toujours – toujours – une négociation entre les personnes présentes dans la salle.

La première réunion de conception d'une nouvelle production est chaque fois une petite révélation. Vous y entrez avec une image de la pièce en tête et vous en ressortez avec une autre, parce que le créateur lumière a vu quelque chose que vous n'aviez pas vu, que le compositeur a entendu quelque chose que vous n'aviez pas entendu, et que la costumière a bâti un monde que vous ne pensiez pas possible à l'intérieur du monde que vous croyiez créer. On vous dépasse en imagination, de la meilleure façon qui soit. La pièce devient plus grande que vous.

À l'école doctorale, Oskar Eustis, directeur artistique du célèbre Public Theater, a donné à ma promotion ce qu'il appelait son meilleur conseil aux dramaturges en herbe : trouvez vos collaborateurs. Il parlait des personnes dont la vision rejoint la vôtre, et de celles dont la vision s'oppose à la vôtre de façon féconde. Celles qui vous écartent du chemin que vous auriez suivi seul et vous poussent vers un autre, plus intéressant.

Bien utilisée, l'IA générative est exactement ce genre de collaborateur.

Le piège de la dictée

Beaucoup de discours actuels sur le travail avec l'IA ressemblent à une dictée. Vous rédigez un prompt, le modèle « livre » ce que vous avez demandé, et vous notez le résultat par rapport à l'image que vous avez en tête. S'il ne correspond pas, vous resserrez le prompt et vous recommencez. Toute l'interaction repose sur l'idée que votre vision de départ est la cible et que le rôle de l'IA est de l'atteindre.

C'est ainsi qu'un metteur en scène inexpérimenté travaille avec sa troupe. Et d'expérience, cela mène rarement à un grand résultat, ni pour les créatifs ni pour le public.

Aujourd'hui, quand je soumets un prompt à un modèle – pour rédiger les embranchements d'un scénario dans un module d'apprentissage, pour improviser des pistes de langage pour un personnage, pour proposer des variantes de mécaniques pour un mini-jeu – j'essaie d'arriver avec une intention claire et une vision souple. Je sais ce que le moment doit produire. Je suis moins précieux sur la façon exacte d'y parvenir. Ensuite, je lis ce qui revient comme je regarderais un partenaire de scène faire un choix inattendu sur le plateau. Non pas « est-ce ce que j'ai demandé ? », mais « qu'est-ce que cela m'apporte que je n'avais pas vu ? »

Parfois, la réponse est « rien », et on coupe. Mais il y a souvent là-dedans un tournant – une tournure, une structure, un angle – auquel je ne serais pas parvenu seul en une semaine d'essais. Et le bon réflexe, celui que j'ai appris sur une scène universitaire en 2008, consiste à prendre ce qui est offert et à construire dessus.

Pourquoi cela compte pour la conception pédagogique

Parce que la surprise est l'un des outils les plus fiables pour que quelque chose s'ancre dans les esprits.

Les spécialistes des sciences cognitives étudient ce phénomène depuis des décennies sous plusieurs noms : erreur de prédiction, violation d'attente, effet de nouveauté. La version courte est bien établie : quand ce qui se passe ensuite ne correspond pas à ce que votre cerveau avait prédit, l'attention s'aiguise et le cerveau signale le moment comme digne d'être mémorisé. La nouveauté mobilise les mêmes systèmes dopaminergiques que ceux qui interviennent dans la consolidation de la mémoire. Les moments distinctifs au sein d'une séquence par ailleurs prévisible sont retenus de façon disproportionnée ; le phénomène a été reproduit tant de fois qu'il porte son propre nom (l'effet von Restorff, si vous voulez creuser).

La formation dont on se souvient est celle qui nous a surpris

Si vous avez déjà suivi une formation en entreprise, vous en connaissez les implications pratiques. Les contenus qui ne vous ont rien appris étaient ceux que vous pouviez prévoir. Les moments dont vous vous souvenez sont ceux qui ne se sont pas déroulés comme vous l'attendiez.

C'est, pour moi, le fil rouge entre le théâtre et la L&D. Le travail ne consiste pas à délivrer du contenu, mais à concevoir un moment qui porte. Et les moments qui portent impliquent presque toujours un léger renversement de ce que l'apprenant pensait voir arriver ensuite.

Si je suis seul dans la pièce quand je conçois ces moments – juste moi et mon cerveau qui reconnaît des schémas –, je produirai des variations de ce que j'ai déjà produit. L'inattendu est, par définition, difficile à générer depuis l'intérieur de ses propres attentes. C'est précisément ce qu'apporte un bon collaborateur. Et c'est ce que vous apporte l'IA, utilisée comme collaborateur et non comme distributeur automatique, plusieurs fois par heure.

Ne laissez pas le parfait devenir l'ennemi du bien

Quand j'aborde l'IA dans un esprit de collaboration, j'applique en général un cadre simple, inspiré de la façon dont un metteur en scène aguerri travaille avec sa troupe :

Apportez une intention, pas un mandat. Sachez ce que le moment doit produire chez l'apprenant. Gardez le comment souple. Plus votre prompt prescrit le résultat, plus vous contraignez le modèle à produire des variations de ce que vous aviez déjà imaginé.

Traitez chaque réponse comme une proposition. En improvisation, on dit « oui, et... » Le premier réflexe est toujours d'accueillir ce que le partenaire de scène vous offre, tel quel, avant de décider quoi en faire. Quand l'IA renvoie un brouillon, une image, une structure, lisez-le pour ce qu'il suggère, pas seulement pour savoir s'il correspond à l'image que vous avez en tête. N'oubliez pas : le résultat d'une IA répond à quelque chose que vous lui avez donné, et un retour inattendu peut révéler des angles morts, des biais et des présupposés dont vous n'aviez pas conscience.

Dirigez l'ensemble. Vous n'êtes plus l'auteur, vous êtes le directeur de création. Votre goût, votre jugement, votre lecture de l'apprenant, de la marque et du moment restent entièrement les vôtres, et c'est de cela que dépend vraiment le travail. L'IA propose. Vous façonnez, coupez, combinez et décidez.

Voilà, c'est tout. Ce cadre est court volontairement. Comme la plupart des choses au théâtre, il fonctionne dans la pratique et devient prétentieux dès qu'on l'explique trop.

Il y a une objection évidente à tout cela : être ouvert à l'inattendu semble incompatible avec la rapidité de livraison. Ce n'est pas le cas. Chez Attensi, nous avançons vite et nous itérons, et l'une des raisons pour lesquelles nous le pouvons est précisément que les designers ne cherchent pas à plier de force chaque résultat à une vision figée. Nous laissons les outils nous surprendre, nous gardons ce qui est solide, nous coupons ce qui ne l'est pas, et nous avançons. « Ne laissez pas le parfait devenir l'ennemi du bien » est un conseil de théâtre plus vieux que moi. Tout comme la règle selon laquelle un spectacle vivant à quatre-vingts pour cent vaut mieux qu'un spectacle parfait qui ne voit jamais le jour.

Le bureau n'était pas là. Nous avons fait une meilleure scène.

La question intéressante et sensible pour la L&D aujourd'hui n'est pas de savoir si l'IA remplacera les designers. Elle ne les remplacera pas, pour la même raison qu'une excellente troupe ne remplace pas son metteur en scène. La question plus intéressante est de savoir si nous resterons assez ouverts pour laisser l'IA collaborer vraiment avec nous – si nous garderons des visions assez fermes pour mener et assez souples pour nous laisser inspirer.

Trouvez vos collaborateurs. Certains d'entre eux sont désormais des grands modèles de langage.

Curieux de savoir comment les autres créatifs de la L&D voient les choses. Votre IA est-elle un distributeur automatique ou un partenaire de scène ?