KI als kreativer Partner: Lehren aus dem Theater

Von Jon Fitts, Design Lead bei Attensi · Veröffentlicht am 9. September 2026

Der Schreibtisch war nicht da.

Es war Herbst 2008, und ich spielte den Valmont in einer College-Inszenierung von „Gefährliche Liebschaften“ – zum ersten Mal auf Absätzen und mit gepuderter Perücke. Mir rutschte das Herz in die Hose, als meine Szenenpartnerin und ich merkten, dass dieser Schreibtisch, entscheidend für unser Arrangement, nirgends zu sehen war. Ein Bühnentechniker hatte seinen Einsatz verpasst. Der Schreibtisch stand noch in der Seitenbühne, hinter einem Rankgitter auf quietschenden Rollen. Die Szene lief bereits. Wir hatten etwa zwei Sekunden für die Entscheidung: abbrechen oder uns anpassen.

Wir passten uns an. Die Darstellerin der Merteuil ließ sich auf die Chaiselongue sinken, bedeutete mir, mich neben sie zu setzen, und wir spielten die Szene nur wenige Zentimeter voneinander entfernt weiter. Unsere Dialoge knisterten plötzlich vor Energie und Intimität. Das Publikum sprach hinterher darüber. Nach zwei von vier Spielwochen behielten wir das neue Arrangement bei.

An diesen Schreibtisch denke ich heute oft, wenn ich mit KI arbeite.

Finden Sie Ihre Mitstreiter

Ich war mehr als zwei Jahrzehnte am Theater, bevor ich in den L&D-Bereich kam. Die meiste Zeit war ich von Menschen umgeben, deren Job ganz praktisch darin besteht, aus nichts etwas zu machen – Schauspielerinnen und Schauspieler, Bühnen- und Kostümbildner, Regisseure, Dramaturgen, Inspizienten, die Techniker, die um drei Uhr morgens Scheinwerfer hängen. In dieser Welt lernt man schnell: Theater ist keine Autokratie. Die Regie hat eine Vision, aber das Stück, das am Ende auf der Bühne steht, ist immer – wirklich immer – eine Verhandlung zwischen den Menschen im Raum.

Die erste Konzeptionsbesprechung einer neuen Produktion ist jedes Mal eine kleine Offenbarung. Man geht mit einem Bild des Stücks im Kopf hinein und kommt mit einem anderen heraus, weil der Lichtdesigner etwas gesehen hat, das man selbst nicht gesehen hat, der Komponist etwas gehört hat, das man selbst nicht gehört hat, und die Kostümbildnerin innerhalb der Welt, die man zu erschaffen glaubte, eine Welt gebaut hat, die man nicht für möglich gehalten hätte. Man wird in seiner Vorstellungskraft übertroffen, im besten Sinne. Das Stück wird größer als man selbst.

Während meines Masterstudiums gab Oskar Eustis, der künstlerische Leiter des legendären Public Theater, meinem Jahrgang seinen nach eigenen Worten besten Rat für angehende Dramatiker mit: die eigenen Mitstreiter finden. Gemeint waren die Menschen, deren Visionen mit den eigenen übereinstimmen, und die, deren Visionen ihnen produktiv widersprechen. Diejenigen, die einen von dem Weg abbringen, den man allein gegangen wäre, und auf einen interessanteren führen.

Generative KI ist, richtig eingesetzt, genau diese Art von Mitstreiter.

Die Diktatfalle

Vieles, was man derzeit über die Arbeit mit KI hört, klingt nach Diktat. Man schreibt einen Prompt, das Modell „liefert“, was man verlangt hat, und man bewertet das Ergebnis am Bild im eigenen Kopf. Passt es nicht, schärft man den Prompt nach und versucht es erneut. Die ganze Interaktion beruht auf der Annahme, dass die ursprüngliche Vision das Ziel ist und die KI es nur treffen muss.

So arbeitet ein unerfahrener Regisseur mit einem Ensemble. Und aus eigener Erfahrung weiß ich: Das führt selten zu einem großartigen Ergebnis, weder für die Kreativen noch für das Publikum.

Wenn ich heute ein Modell prompte – um Szenario-Verzweigungen für ein Lernmodul zu entwerfen, sprachliche Richtungen für eine Figur durchzuspielen oder Mechanik-Varianten für ein Minispiel vorzuschlagen –, komme ich mit einer klaren Absicht und einer offenen Vision. Ich weiß, was der Moment leisten muss. Wie genau er das tut, ist mir weniger heilig. Dann lese ich, was zurückkommt, so, wie ich einem Szenenpartner zusehen würde, der auf der Bühne eine unerwartete Entscheidung trifft. Nicht „Ist es das, was ich verlangt habe?“, sondern „Was zeigt mir das, das ich vorher nicht gesehen habe?“

Manchmal lautet die Antwort: nichts – dann streicht man es. Oft steckt darin aber eine Wendung – eine Formulierung, eine Struktur, ein Blickwinkel –, auf die ich allein auch nach einer Woche nicht gekommen wäre. Und der kluge Schritt, den ich 2008 auf einer Universitätsbühne gelernt habe, ist, das Angebot anzunehmen und darauf aufzubauen.

Warum das für Learning Design wichtig ist

Weil Überraschung eines der zuverlässigsten Werkzeuge ist, damit etwas hängen bleibt.

Kognitionswissenschaftler erforschen das seit Jahrzehnten unter verschiedenen Namen – Vorhersagefehler, Erwartungsverletzung, Neuheitseffekt. Die Kurzfassung ist gut belegt: Wenn das, was als Nächstes passiert, nicht dem entspricht, was das Gehirn vorhergesagt hat, schärft sich die Aufmerksamkeit, und das Gehirn markiert den Moment als speicherwürdig. Neuheit aktiviert dieselben dopaminergen Systeme, die an der Gedächtniskonsolidierung beteiligt sind. Markante Momente innerhalb einer ansonsten vorhersehbaren Abfolge bleiben überproportional gut im Gedächtnis; das Phänomen wurde so oft repliziert, dass es einen eigenen Namen hat (den Von-Restorff-Effekt, falls Sie nachschlagen möchten).

Im Gedächtnis bleibt das Training, das überrascht

Wer je eine betriebliche Schulung über sich ergehen lassen hat, kennt die praktischen Folgen. Der Stoff, aus dem man nichts gelernt hat, war der Stoff, den man vorhersehen konnte. In Erinnerung bleiben die Momente, die anders liefen als erwartet.

Für mich ist das der rote Faden zwischen Theater und L&D. Die Aufgabe ist nicht, Inhalte zu vermitteln. Die Aufgabe ist, einen Moment zu inszenieren, der sitzt. Und Momente, die sitzen, brechen fast immer ein wenig mit dem, was die Lernenden als Nächstes erwartet haben.

Wenn ich beim Gestalten dieser Momente allein im Raum bin – nur ich und mein eigenes, auf Muster getrimmtes Gehirn –, produziere ich Variationen dessen, was ich schon produziert habe. Das Unerwartete lässt sich per Definition kaum aus den eigenen Erwartungen heraus erzeugen. Genau das liefert ein guter Mitstreiter. Und genau das liefert KI, als Mitstreiter eingesetzt und nicht als Automat, mehrmals pro Stunde.

Das Perfekte ist der Feind des Guten

Wenn ich KI als Partner begegne, halte ich mich meist an ein einfaches Framework, abgeleitet davon, wie ein guter Regisseur mit einem Ensemble arbeitet:

Eine Absicht mitbringen, keine Vorgabe. Wissen Sie, was der Moment für die Lernenden leisten muss. Halten Sie das Wie offen. Je enger Ihr Prompt das Ergebnis vorschreibt, desto stärker zwingen Sie das Modell, Variationen dessen zu liefern, was Sie sich ohnehin schon vorgestellt haben.

Jede Antwort als Angebot behandeln. Im Improtheater sagen wir „Ja, und …“. Der erste Schritt ist immer, das Angebot des Szenenpartners so anzunehmen, wie es gemeint ist, bevor man entscheidet, was man daraus macht. Wenn die KI einen Entwurf, ein Bild oder eine Struktur liefert, achten Sie darauf, was es nahelegt, nicht nur darauf, ob es zum Bild in Ihrem Kopf passt. Denken Sie daran: Der Output einer KI ist eine Antwort auf etwas, das Sie ihr gegeben haben, und ein unerwartetes Ergebnis kann auf blinde Flecken, Vorurteile und Annahmen hinweisen, von denen Sie nichts wussten.

Das Ganze inszenieren. Sie sind nicht mehr der Autor, Sie sind der Creative Director. Ihr Geschmack, Ihr Urteilsvermögen, Ihr Gespür für die Lernenden, die Marke und den Moment – all das bleibt ganz bei Ihnen, und genau davon hängt die Arbeit tatsächlich ab. Die KI schlägt vor. Sie formen, kürzen, kombinieren und entscheiden.

Das ist alles. Das Framework ist bewusst kurz. Wie das meiste am Theater funktioniert es in der Praxis und wird prätentiös, wenn man es zu sehr erklärt.

Gegen all das gibt es einen naheliegenden Einwand: Offenheit für das Unerwartete klinge unvereinbar mit schnellem Liefern. Das ist sie nicht. Bei Attensi arbeiten wir schnell und iterativ, und einer der Gründe dafür ist gerade, dass unsere Designer nicht versuchen, jedes Ergebnis verbissen in eine feste Vision zu zwingen. Wir lassen uns von den Tools überraschen, behalten das Starke, streichen das Schwache und machen weiter. „Das Perfekte ist der Feind des Guten“ ist ein Theaterrat, der älter ist als ich. Genauso wie die Regel, dass achtzig Prozent von etwas, das gespielt wird, hundert Prozent von etwas schlagen, das nie Premiere feiert.

Der Schreibtisch war nicht da. Wir haben eine bessere Szene daraus gemacht.

Eine spannende und heikle Frage für L&D ist derzeit nicht, ob KI Designer ersetzen wird. Das wird sie nicht, aus demselben Grund, aus dem ein exzellentes Ensemble seine Regie nicht ersetzt. Die interessantere Frage ist, ob wir offen genug bleiben, damit KI wirklich mit uns zusammenarbeiten kann – ob wir unsere Visionen fest genug halten, um zu führen, und locker genug, um uns inspirieren zu lassen.

Finden Sie Ihre Mitstreiter. Einige davon sind heute große Sprachmodelle.

Mich interessiert, wie andere Kreative im L&D-Bereich das sehen. Ist Ihre KI ein Automat oder ein Szenenpartner?